david kennedy es el director artístico asociado de Westport Country Playhouse y el director de nuestra producción de Duda. Habló con nuestro Director de Educación jenny nelson sobre por qué esta obra, por qué ahora y por qué lo que hay debajo de la superficie es a menudo más importante de lo que pensamos.

Jenny Nelson: ¿Por qué Playhouse seleccionó esta obra?

David Kennedy:  Marca [Director artístico de Playhouse, Mark Lamos] Estaba hablando con un amigo suyo que había visto una producción de Duda recientemente y destacó la experiencia que fue para el público, lo emocionante que fue la noche de teatro y cuánto diálogo provocó. Así que rápidamente lo releyó y luego me recomendó que hiciera lo mismo. Conocía la obra, por supuesto, pero nunca la había visto. Me sorprendió lo fresco que parecía. Las cuestiones que explora Shanley (lo que significa vivir en una sociedad de confrontación y defensa extremas que deja poco espacio para los matices, el autocuestionamiento o la duda) son aún más relevantes hoy que hace 16 años. Mark sintió firmemente que teníamos que hacerlo y yo sentí lo mismo.

JN:  ¿Cuál es el concepto de un director?  

NS:  A concepto es una palabra para el punto de vista del director. El director intuye de qué trata la historia de la obra y cómo se puede expresar y se expresará utilizando todos los elementos de producción: escenografía, vestuario, luz, sonido, puesta en escena, elecciones de actuación, etc. 

Un director dedica mucho tiempo a pensar en cómo cada elección afectará la experiencia y la comprensión de la obra por parte del público. El propósito de todas esas elecciones es revelar un punto de vista. Pero es un proceso extremadamente colaborativo. En última instancia, el trabajo del director es interpretar la obra y los diseñadores interpretan la interpretación del director, lo cual siempre es emocionante.

JN:  ¿Cuál es tu concepto para esta producción?

NS:  Tomamos la idea de un parábola (El título completo de Shanley para la obra es Duda: una parábola) como punto de partida. ¿Qué es una parábola? El diccionario dice que es una historia sencilla que se utiliza para ilustrar una lección moral o espiritual. Esa es una manera de ver una parábola. Otro proviene de Franz Kafka, un escritor que amo, para quien una parábola debe contener una paradoja irresoluble. Puede ser una pequeña historia que parece querer señalar el camino hacia una lección moral, pero cuya lección está oscurecida o incluso incomprensible. Una especie de acertijo. 

Creo que esta obra podría describirse según ambas definiciones. Pero una cosa que es cierta, independientemente de la definición, es que el propósito de una parábola es señalar algo más. La historia sencilla no debe entenderse únicamente como lo que es, sino que se mire a través de a sus implicaciones más amplias. Jesús siempre estaba haciendo esto en los evangelios, lo cual
Esta es claramente la razón por la que Shanley eligió la palabra. 

Entonces nos preguntamos: ¿Cómo hacemos una producción que cuente la historia pero que también revele algo más detrás de la historia? Supimos de inmediato que al menos eso significaba prescindir de un enfoque realista. Necesitábamos revelar al actor como un narrador, llamar la atención sobre la historia que se cuenta como un acto deliberado, eliminar las superficies realistas, etc., todo para que el público recordara que están en un teatro viendo a los actores representar una historia. El resto de las decisiones que tomamos surgieron de esa única idea. 

JN:  ¿Hubo algún evento actual en particular, libros, música, etc. que inspiraron su concepto? 

NS:  Mis influencias en esta producción fueron bastante dispares, pero entre las más importantes se encuentran 2002 de Lars von Trier. película Dogville, que inspiró la idea de que una parábola se puede contar de la manera más básica. Y hay una extraordinaria instalación del escultor Robert Gober llamada Sin título (1995-1997) que representa a la Virgen María con un gran tubo de alcantarillado atravesando el centro de su torso. Es la mezcla más notable de lo sagrado y lo profano, lo cual, por supuesto, sentí que era algo que teníamos que aportar a esta obra, ya que es una parábola religiosa que
también, en última instancia, sobre nuestro mundo secular. 

Y finalmente, nuestros padres, El excelente relato de David France sobre el escándalo de abuso sexual en la Iglesia católica fue fundamental para ayudarme a comprender la cultura y la psicología de la Iglesia a mediados de la década de 1960, cuando se desarrolla la obra. 

JN:  ¿Cómo desempeña el diseño de producción (escenografía, vestuario, sonido e iluminación) un papel para respaldar su concepto?

NS: El lenguaje del diseño es uno de los elementos más importantes para dar vida a la visión de la obra. Ya sea que haya entornos realistas, paredes y puertas y demás, o como en esta producción simplemente una plataforma suspendida en un teatro vacío, el diseño escénico hace gran parte del trabajo para situar la producción y transmitir su significado. Lo mismo con la ropa, las luces y el sonido. Casi siempre es el diseño el que da vida a un concepto de producción.  

JN:  ¿Hay algo que le gustaría agregar que pueda mejorar la experiencia de la audiencia? 

NS:  Disfruta de la incertidumbre que conlleva. Shanley es muy astuto acerca de lo poco que le da al público a qué aferrarse. Eso es por diseño. Eso no significa que no tendrás opiniones después de haberla visto (definitivamente tendrás opiniones), pero debes saberlo, como dice Shanley en la introducción publicada de la obra: "No hay una última palabra".